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Música Clásica y ópera de Classissima

Franz Liszt

sábado 27 de mayo de 2017


Ya nos queda un día menos

Ayer

Mis favoritos musicales (III): pianistas

Ya nos queda un día menosContinúo con mi lista de favoritos hablando esta vez de pianistas, no sin antes recordar algo fundamental: nunca ha sido mi intención hacer un listado de “los mejores”, sino de “los que más me gustan”. Obviamente las dos cosas pueden coincidir, y seguro que a ustedes algunos de los nombres que alabo en esta serie les parecen de los más insignes que se han conocido en sus respectivos campos. Pero considero necesario hacer esta diferenciación porque establecer criterios para hablar de “los más grandes” resulta harto complicado. ¿Qué es lo que contaría más en el caso de los intérpretes? ¿La amplitud del repertorio, la cantidad de grabaciones geniales que tengan aunque sea en alternancia con otras mucho menos buenas, o por el contrario la capacidad para mantener un alto nivel sostenido aunque rara vez se roce el cielo? Se podría discutir muchísimo, así que mis preferencias subjetivas y personales son las únicas que cuentan. Claudio Arrau y Daniel Barenboim son mis dos pianistas de cabecera. Del chileno me quedaría, sobre todo, con las dos últimas décadas de su trayectoria: algo así como una especie de Giulini al piano: puro humanismo, pura cantabilidad, belleza a manos llenas sin el menor resquicio de narcisismo, elegancia ajena a toda afectación, poesía de los más altos vuelos, pero sin miedo ninguno a encresparse o a resultar desgarrado cuando corresponde. Su Schumann, su Chopin y su Liszt, incluso su Brahms, son de ensueño, como lo es también su Debussy. Aunque la verdad es que en cualquier repertorio que se le escuche, siempre da la impresión de que "tiene que ser así", tal es la mezcla de naturalidad, sinceridad y despojo de cualquier artificio que preside su arte. Un músico genial, inconfundible y digno de la más rendida admiración. En cuanto al de Buenos Aires, nos encontramos en un terreno distinto: más músculo que delicadeza, filosofía antes que delectación melódica, densidad tanto sonora como conceptual y una tendencia a poner de relieve los aspectos más visionarios de las partituras, aunque sea a costa de la heterodoxia estilística. Su arte no llega con tanta facilidad como el de Arrau, no seduce de manera tan inmediata. Hay que hacer un esfuerzo. Y también en él son las últimas décadas las más interesantes. Afirmar que está en decadencia me parece una muestra de ignorancia propia de los muy pedantes y malintencionados críticos dispuestos a machacarlo cada vez que viene a España. De hecho, pienso que su primera etapa, aquella de EMI en los años sesenta, es la que está un tanto sobrevalorada: cierto es que su manera de acercarse al hecho musical le sirvieron para ofrecer un Beethoven ya soberbio y para renovar de manera considerable el pianismo mozartiano, pero ni su sonido era tan variado, ni su fraseo tan flexible ni su imaginación tan desbordante como ahora, por no hablar de un temperamento en exceso monolítico que se ha ido atemperando para dar paso a esos otros aspectos en los que precisamente Arrau era el maestro: aunque menos bien de dedos que antes, en nuestros días Barenboim alcanza una perfecta síntesis entre dos maneras distintas de abordar la interpretación al piano. ¿Es casual que ahora interprete a Mozart, a Chopin y –sobre todo– a Schubert mucho mejor que antes? Desde luego que no. Obviamente, hay muchos más genios del teclado a los que admiro. Gilels y Richter me gustan muchísimo: el primero poseía un sonido de una fuerza descomunal, pero sabía cómo desplegar sutilezas a la hora de ofrecer un enorme Beethoven, mientras que el segundo, pesimismo hecho música, ofrecía un Schubert acongojante y brillaba asimismo en otros repertorios siempre que fuera capaz de controlar su temperamento un tanto demoníaco, cosa que no siempre ocurría. Asimismo, imposible no quitarse el sombrero ante la elegancia señorial de Rubinstein, los arrebatos felinos de Argerich, la pasión controlada de un Lupu o un Ashkenazy o la mezcla de belleza apolínea y garbo español de nuestra Alicia de Larrocha. Entre otras grandes figuras. Pasando a generaciones más jóvenes, Zimerman posee una técnica descomunal, diríase que insuperable, pero anda demasiado mal de la cabeza y solo nos ha dejado unas cuantas grabaciones rematadamente geniales. Kissin es otro virtuoso que, con aproximaciones mucho más temperamentales, menos analíticas que las del polaco, han sabido poner su colosal destreza al servicio de la música, no del exhibicionismo barato: ¡qué manera de descubrirnos el lado más negro de Chopin! ¿Y los que menos me gustan? Aquellos que buscan el aplauso de la manera más fácil, bien sea demostrando que son capaces de correr más que nadie aun a costa de pasar por las notas como una apisonadora, bien sea ofreciendo dosis de azúcar en grado extremo, bien sea intentando epatar con más excentricidades que nadie. Prefiero no decir nombres, porque algunos de estos señores y señoras –solo algunos– han demostrado también ser grandes artistas cuando quieren, pero el lector más o menos informado imaginará a quiénes me estoy refiriendo. Y, por descontado, incluyo en la lista de “menos preferidos” a ciertas glorias de otras épocas a las que el paso del tiempo ha puesto en su sitio. Tampoco aquí hace falta decir nombres, me parece.

Scherzo, revista de música

22 de mayo

CRÍTICA / Más expectación que resultado

Úbeda. Auditorio del Hospital de Santiago. 13-V-2017. XXIX Festival Internacional de Música y Danza Ciudad de Úbeda. Orquesta de Cámara Solistas de Zagreb. Concertino. Sreten Krstic. Obras de Mozart, Piazzolla, Papandopulo y Chaikovski. Patio del Hotel Álvaro de Torres. 14-V-2017. Alexander Panfilov, piano. Obras de Mozart, Albéniz, Liszt y Prokofiev. José Antonio Cantón leer más




Ópera Perú

3 de mayo

Prodigio del piano, Benjamin Grosvenor, llega a Lima

La Asociación Cultural Teresa Quesada se complace en iniciar su temporada 2017 presentando al brillante pianista británico BENJAMIN GROSVENOR, uno de los artistas mas cotizados del mundo, quien dará un recital el 29 de mayo en el Gran Teatro Nacional.(Difusión ACTQ) El pianista británico Benjamin Grosvenor es internacionalmente conocido por sus electrizantes interpretaciones. Su virtuosa inspiración y complejidades técnicas nunca comprometen la profundidad y la inteligencia de su musicalidad. Grosvenor, a sus 24 años, es reconocido por su sonido personal, descrito como “poético y sutilmente irónico, brillante, de mente clara pero con humor, todo lo traduce de forma maravillosa a través de un detalle nítido” (The Independent), y hacen de él, uno de los pianistas más solicitados del mundo. En 2011, con tan solo 19 años, firmó con Decca Classics, convirtiéndose así en el músico británico más joven en firmar con un sello discográfico en 60 años. Su lanzamiento en 2014 del álbum “Dances”, fue descrito por el diario inglés The Guardian como “Impresionante”, y por la prestigiosa revista Gramophone como “una interpretación que sorprende por su brillantez y personalidad”. Con este disco, Grosvenor ganó el Premio Instrumental de la BBC Music Magazine (2015). En otoño del 2016 publicó su cuarto disco “Homages”.Entre sus compromisos más relevantes se incluyen proyectos con las Orquestas de Cleveland y La Haya, Bergen, Atlanta, San Francisco, Singapur, la National Symphony Orchestra y la KBS Symphony Orchestra. Entre sus principales recitales destacan en el Konzerthaus de Viena, en la sala Zankel del Carnegie Hall, Philharmonie de Colonia, Konzerthaus de Berlín, Festival de Lucerna, La Roque d’Antheron y el Concurso Internacional en el Southbank Centre así como su primera gira por Sudamérica que lo traerá a Brasil, Argentina, Uruguay, Perú y Colombia.La Asociación Cultural Teresa Quesada (ACTQ) presenta a este extraordinario artista dentro del primer año de sus actividades, que no solo incluirá temporadas de conciertos, sino también clases maestras gratuitas en Lima y provincias. Otro de sus grandes proyectos será la creación del Concurso Nacional de Música y otorgará a músicos locales becas integrales en alianza con escuelas internacionales.Las entradas para este esperado recital ya están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.PROGRAMARobert Schumann: Arabesque en Do mayor, Op. 18 (8’)Wolfgang Amadeus Mozart: Sonata No.13 en Si bemol mayor, K.333 (13’)Ludwig van Beethoven: Sonata en Do-sostenido menor, No. 14, Op. 27/2 ‘Claro de Luna' (16’)Alexander Scriabin: Sonata No. 2 en Sol sostenido menor,  Op. 19 (12’)Enrique Granados: Dos piezas de ‘Goyescas’, Op. 11 (16’)Franz Liszt: Rapsodia Española (13’)

Pablo, la música en Siana

17 de abril

El órgano de Messiaen completo en León

©FotoLa integral para órgano de Olivier Messiaen (1908-1992) se celebrará en la Catedral de León desde el 21 de abril hasta el 2 de diciembre de 2017 bajo el título "Catedral de León 2017: El Misterio de la Redención", con un paréntesis veraniego entre julio y octubre antes del comienzo de la XXXIV del Festival Internacional de Órgano (FIOCLE) que lo incluirá entre los conciertos. ©FotoBajo la dirección artística de Samuel Rubio y organizado por el Cabildo S. I. Catedral de León, el organista Giampaolo Di Rosa se enfrentará desde "el bicho de KLAIS", ideal para esta verdadera maratón Messiaen, al siguiente guión repartido a lo largo de diferentes fines de semana desde el próximo viernes y sábado de este mes: 21 y 22 de abril: Obras individuales I - II. 5 y 6 de mayo: Livre d’Orgue I - II. 9 de junio: L’Ascension, Quatre méditations symphoniques. 10 de junio: Messe de la Pentecôte. 23 y 24 de junio: Méditations sur le Mystère de la Sainte Trinité I - II. 6 de octubre de 2017, XXXIV FIOCLE: Les Corps Glorieux, Sept visions brèves de la vie des ressuscités. 10 y 11 de noviembre: Le Livre du Saint Sacrement I - II. 01 y 02 de diciembre: La Nativité du Seigneur I Neuf Méditation II Neuf Méditations. ©FotoCada día aparece detallado con sus notas correspondientes en la página que el FIOCLE tiene en Facebook© y de donde extraigo la información, mientras que podremos ver en el canal del propio organista en YouTube© algunas de sus intervenciones: PROGRAMA21/04/2017Obras individuales I:Le banquet céleste, escrito por el joven Messiaen en 1928, evoca el "Misterio de la presencia de Cristo en la Eucaristía"; en un principio fue una obra para orquesta titulada Le Banquet eucharistique.Diptyque, escrito en 1929, está dedicado a los maestros de Messiaen: Paul Dukas y Marcel Dupré. La primera parte representa el caos y la confusión mundana, la segunda es una evocación de la Ciudad Celeste. Apparition de l’Église éternelle, publicada en 1932, es una obra de la reciente tradición (Claude Debussy escribe para piano la obra Cathédral engloutie) y en busca de nuevos elementos. Se trata de una representación de la realidad de los hombres en el seno de la iglesia universal. Improvisación. 22/04/2017Obras individuales II:Verset pour la fête de la Dédicace, escrita en 1960 para los exámenes de fin de curso en el Conservatorio de París, está basada en el "Alleluia Adorabo para la dedicación de la Iglesia" y sobre un conjunto de elementos expresivos de alabanza, meditación, consuelo, alegría, súplica y paz. Tratándose de una forma de dimensiones reducidas, se destacan algunos pasajes propios de los últimos grandes ciclos. Monodie, de 1963, es una simple linea melódica flautada. Offrande au Saint Sacrement, publicación póstuma de 2001, es una obra de juventud, cuyo origen probablemente reside en una improvisación . Prélude (para órgano) ha sido encontrado por Ivonne Loriod, segunda esposa y musa de Messiaen en 1997. Se supone que fue escrito por el joven compositor, todavía estudiante en París. Podría ser del mismo periodo del Diptyque, donde Messiaen utiliza una escritura muy influenciada por su maestro, Marcel Dupré. Improvisación.05/05/2017Livre d’Orgue I:1. Reprises par interversion. 2. Pièce en trio (pour le dimanche de la Sainte Trinité). 3. Les Mains de l’abîme (pour les temps de pénitence). 4. Chants d’oiseaux (pour le temps pascal). Improvisación. 06/05/2017Livre d’Orgue II:5. Pièce en trio (pour le dimanche de la Sainte Trinité). 6. Les Yeux dans les roues (pour le dimanche de la Pentecôte). 7. Soixante-quatre durées. Improvisación. Notas: Livre d’Orgue es probablemente el ciclo de mayor complejidad, distinto de todos los demás: sus siete episodios están construidos fundamentalmente sobre la especulación y la técnica combinatoria, con un tratamiento rítmico extremadamente diverso. Fue escrito en 1951 en los paisajes de los Alpes y del Delfinato, cuando el compositor fue invitado a impartir cursos en Darmstadt, renombrada sede de la vanguardia musical de la época. Hay que subrayar el uso del lenguaje dodecafónico, de los ritmos hindúes, así como de los ritmos irracionales, del canto de los pájaros y de la superposición de las duraciones de los tiempos sonoros. Los episodios desde el segundo al sexto, se refieren al tiempo litúrgico indicado, mientras el primero y el último son meramente abstractos. Aspectos fundamentales - Personajes rítmicos y tratamiento serial (I) - Técnica del trio (II) - Tratamiento dramático de los opuestos: el abismo y la invocación a Dios (III) - Representación integral del canto de los pájaros que sugieren la alegría de la creación (IV) - Técnica del trío, con un efecto próximo a la inmovilidad (V) - Gran forma de tocata (VI) -Tratamiento combinatorio de la duración rítmica interactiva con diversos cantos de pájaros (VII). 9.6.2017L’Ascension, Quatre méditations symphoniques:I. Majesté du Christ demandant sa gloire à son Père. II. Alléluias sereins d'une âme qui désire le ciel. III. Transports de joie d'une âme devant la gloire du Christ qui est la sienne. IV. Prière du Christ montant vers son Père. Improvisación. Notas: L’Ascension es el primer gran ciclo, formado por cuatro episodios, escrito entre 1932 y 1933 para orquesta y posteriormente con modificaciones para órgano. Aspectos fundamentales - Solemnidad y riqueza sonora (I) - Tratamiento melódico que recuerda el diseño neumático del canto gregoriano (II) - Gran forma de tocata (III) - Tratamiento constantemente ascendente y expresivo (IV). 10/06/2017Messe de la Pentecôte:1. Entrée. 2. Offertoire. 3. Consécration. 4. Communion. 5. Sortie. Improvisación. Notas: Messe de la Pentecôte, terminada en 1950, está formada por cinco momentos litúrgicos, como una síntesis de la función del organista con la improvisación litúrgica. Aspectos fundamentales - Representación de las lenguas de fuego del Espíritu Santo a través del uso de ritmos irracionales, la métrica griega y rápidas alternancias tímbricas (I) - Comentario musical de las cosas visibles e invisibles, Símbolo de Nicea (II) - "Aleluya Veni Sancte Spiritus" (III) - Elementos impresionistas descriptivos de la naturaleza: canto de los pájaros y gotas de agua (IV) - Gran forma de tocata evocando el viento del Espíritu Santo (V). 23/06/2017Méditations sur le Mystère de la Sainte Trinité I1. Le Père des étoiles. 2. Dieu est saint. 3. «La relation réelle en Dieu est réellement identique à l’essence». 4. Dieu est. Improvisación. 24/06/2017Méditations sur le Mystère de la Sainte Trinité II5. Dieu est immense – Dieu est éternel – Dieu est immuable… 6. «Dans le Verbe était la vie et la vie était la lumière…». 7. «Le Père et le Fils aiment, par le Saint-Esprit, eux-mêmes, et nous». 8. Dieu est simple – Les Trois sont Un. 9. «Je suis Celui qui suis». Improvisación. Notas: Méditations sur le Mystère de la Sainte Trinité es el penúltimo gran ciclo de 1969 y publicado en 1973. Consta de nueve meditaciones escritas para la inauguración, tras el añadido de nuevos registros, del órgano de la Iglesia de la Trinidad (donde Messiaen fue organista titular durante toda su vida) en cuya ocasión el compositor improvisó tres veces sobre las partes de la homilía. Una característica fundamental de este ciclo es el tratamiento tímbrico del discurso musical, en el ámbito del “lenguaje comunicador”, basado en la correspondencia entre el texto y el valor de los sonidos. En este sentido, los temas melódicos son portadores de una carga semántica hasta la construcción de frases y casos, de conceptos -ser y tener- añadidos a la definición músical de las personas de la Santísima Trinidad. Se encuentra por tanto una fusión de todos los elementos empleados simbólicamente en la representación del Misterio. 06/10/2017XXXIV FIOCLE Les Corps Glorieux, Sept visions brèves de la vie des ressuscités:1. Subtilité des Corps Glorieux. 2. Les Eaux de la grâce. 3. L’Ange aux parfums. 4. Combat de la mort et de la vie. 5. Force et agilité des Corps Glorieux. 6. Joie et clarté des Corps Glorieux. 7. Le Mystère de la Sainte Trinité. Improvisación. Notas: Las siete visiones que forman este ciclo, escrito en 1939, representan las almas resucitadas en Cristo. Aspectos fundamentales: - Amplia línea melódica sobre el "Salve Regina" (I) - Diseños fluidos, serenos y luminosos (II) - Elevación del material tímbrico y melódico, símbolo de la bienaventuranza eterna (III) - Estructura sinfónica que expresa la grandeza de la resurrección sobre la muerte, hasta la contemplación final (IV) - Representación rítmica de la fuerza y agilidad de los cuerpos gloriosos (V) - Canto de alabanza y júbilo de la representación gloriosa (VI) - Técnica del trío sobre el "Kyrie Alme Pater" (VII). 10/11/2017Le Livre du Saint Sacrement I:1. Adoro te. 2. La Source de vie. 3. Le Dieu caché. 4. Acte de Foi. 5. Puer natus est nobis. 6. Le manne et le Pain de Vie. 7. Les Ressuscités et la Lumière de Vie. 8. Institution de l’Eucharistie. 9. Les Ténèbres. 10. La Résurrection du Christ. 11/11/2017Le Livre du Saint Sacrement II:11. L’Apparition du Christ ressuscité à Marie-Madeleine. 12. La Transsubstantiation. 13. Les deux murailles d’eau. 14. Prière avant la Communion. 15. La Joie de la Grâce. 16. Prière après la Communion. 17. La Présence Multipliée. 18. Offrande et Alléluia final. Improvisación. Notas: Livre du Saint Sacrement, escrito en 1984, por encargo de la ciudad de Detroit, donde fue estrenado por Almut Rössler en 1986 y publicado en 1989. Es un ciclo de dimensiones colosales, formado por dieciocho episodios, siendo el último compuesto para órgano por Olivier Messiaen después de la obra Saint François d’Assise (1983), que tuvo al compositor ocupado durante ocho años. La forma de este ciclo monumental se puede definir en tres partes: I-IV: Adoración a Cristo presente en el Santísimo Sacramento. V-XI: Episodios de la vida de Cristo. XII-XVIII: Eucaristia. Messiaen utiliza todo el material musical disponible con cada posible tratamiento: modos según trasposición limitada y tonalidad, sonidos y colores, canto de los pájaros, registración idiomática, simbolismo, métrica griega, duración y combinaciones, serialismo. Es evidente también el uso del canto de los pájaros de Palestina. Un arco iris teológico es la expresión utilizada por Messiaen para definir esta música que vuelve a sus orígenes con Le Banquet céleste. 01/12/2017La Nativité du Seigneur: Neuf Méditations I:1. La Vierge et l’enfant. 2. Les bergers. 3. Desseins éternels. 4. Le Verbe. Improvisación. 02/12/2017La Nativité du Seigneur: Neuf Méditations II:5. Les Enfants de Dieu. 6. Les Anges. 7. Jésus accepte la souffrance. 8. Les Mages. 9. Dieu parmi nous. Improvisación. Notas: La Nativité du Seigneur, escrita en 1935 en Grenoble, fue interpretada en 1936 por Jean Yves Daniel-Lesure, J. Langlais y Jean Jacques Grunenwald. El ciclo, original y precursor, formado por nueve episodios en forma de meditación, es uno de los más escuchados y, según el propio compositor, uno de los más populares. Aspectos fundamentales: La estructura teológica es la siguiente: -Predestinación realizada desde la encarnación del Verbo (episodio n. III), -Dios vivo entre nosotros, Dios dolente (IX, VII) -Los tres nacimientos: eterno del Verbo, temporal de Cristo, espiritual de los cristianos (IV, I, V) -Personajes navideños (VI, VIII, II). ©FotoDel intérprete Giampaolo Di Rosa, habitual en León y conocedor como pocos del KLAIS, del que es organista residente, también se incluye su currículo: Acaba siete carreras de estudios en Italia, Alemania, Portugal y Francia, el Máster en performance y el Doctorado en análisis musical. Su repertorio para órgano comprende todas las épocas y las obras integrales de J. P. Sweelinck, J. S. Bach, C. Franck, F. Liszt, O. Messiaen; también improvisación, obras de propia autoría y música de los siglos XX y XXI. Concretamente ha desarrollado nuevas posibilidades técnicas para actualizar los recursos polifacéticos del órgano ibérico, considerando sus registros y posibilidades sinfónicas. Es concertista, improvisador y compositor, con una larga actividad de enseñanza universitaria y de master classes de improvisación. Brinda conciertos en toda Europa, Estados Unidos, América del Sur, Australia, Medio Oriente y en las ciudades asiáticas de Hong Kong, Macao y Singapur. Toma parte activamente en diferentes unidades de investigación europeas, llevando a cabo gran número de publicaciones, obras y discos. ©FotoEs director artístico de festivales internacionales de órgano y también consultor de variadas instituciones: - Organista residente de la Catedral de León en España. - Coordinador musical de la Casa de la Misericordia en Guimarães, Portugal. - Organista titular de la Catedral de Vila Real, Portugal. - Organista titular del gran órgano sinfónico de la Iglesia Nacional de Portugal en Roma (S. Antonio de los Portugueses) donde hay un festival permanente de órgano durante todo el año, entre los mayores de Europa, nombrado por su Rector Monseñor Borges en 2008. En 2010 ha sido distinguido por el Presidente de la Republica Portuguesa con el grado de Oficial de la Orden del Infante D. Henrique el Navegador. En 2017 interpreta la obra integral para organo de Olivier Messiaen en S. Antonio de los Portugueses en Roma y en la S. I. Catedral de León.



Pablo, la música en Siana

23 de febrero

Laura Mota, juegos de piano

Miércoles 22 de febrero, 20:00 horas. Teatro Jovellanos, Sociedad Filarmónica de Gijón, Año 109, concierto 1585: Laura Mota Pello, piano. Obras de Bach, Beethoven, Nielsen, Liszt, Debussy y Chopin. PROGRAMAPrimera Parte:J. S. Bach (1685-1750): Suite francesa nº 6 en mi mayor BWV 817 (Allemande, Courante, Zarabanda, Gavota, Polonesa, Bourre, Minuetto y Giga)L. van Beethoven (1770-1827): Sonata para piano nº 23 en fa menor op. 57 “Appassionata” (1804-06): I. Allegro assai. II. Andante con moto. III. Allegro ma non troppo.Segunda Parte:Carl Nielsen (1865-1931): Humoresque – Bagatelen op. 11 (1897).Franz Liszt (1811-1886): Juegos de agua en la Villa de Este.Claude Debussy (1862-1918): L’isle joyeuse (1904).Frederic Chopin (1810-1849): Andante Spianato y Gran Polonesa op. 22. Llevo tiempo siguiendo a Laura Mota, que aunque joven (nacida en 2003) tiene ya una larga carrera como concertista y prosigue sus estudios de Secundaria mientras el piano ocupa mucho de su tiempo con el maestro Francisco Jaime Pantín que ha sabido encauzar el talento de la pianista ovetense. Y es que sigue maravillándome su crecimiento en todos los sentidos, su talento y capacidad de trabajo para afrontar unos repertorios que músicos consagrados no se atreverían a tocar y menos en un mismo concierto. La centenaria filarmónica gijonesa apuesta por los jóvenes intérpretes y el Jovellanos es una pasarela de talento que abrirá la taquilla para los siguientes, además de la captación de socios sin los cuales la permanencia de estas sociedades viendo los tijeretazos de los regidores, está siempre pendiente de un hilo. De agradecer las notas al programa "Música para piano, de Bach al siglo XX" de Miguel Rodríguez Fernández-Bustillo para seguir culturizando desde el conocimiento. Con echar un vistazo al programa que encabeza esta entrada, ya podemos darnos una idea de la complejidad no ya técnica sino de profundización en cada obra y autor sin ningún complejo. Abrir concierto con la sexta Suite francesa de Bach es todo un reto que superó con una claridad diáfana en los tiempos y el sonido, pureza teclística, brillantez y aplomo. Las ocho danzas contrapuestas lo fueron en fraseo, sentido del ritmo, limpieza melódica, contrapeso en ambas manos sacando siempre a la luz las notas precisas sin menoscabo de todo el ornamento que "el kantor de Leipzig" vuelva en estas composiciones alejado de la iglesia durante su feliz y corta etapa en Cöthen. La segunda "B" de la música es Beethoven cuyas sonatas para piano suponen el "corpus" de todo intérprete y la conocida Appasionata uno de los pilares, pues el salto estilístico del clasicismo al romanticismo se aprecia sobremanera en los tres movimientos además del propio título. Laura Mota posee la frescura adolescente y el arrojo para dotar una obra de claroscuros en cuadros luminosos sin sacrificar sombras, nuevamente optando por la limpieza de trazo en vez de fuerza descontrolada. Con una gama dinámica suficiente, un pedal siempre en su sitio y digitaciones claras que no apuran los tempi nos dan la posibilidad de escuchar todas las notas nuevamente con el balance preciso incluso en el segundo movimiento mucho más denso y tortuoso para hacer sonar lo deseado, salvado no ya sin problemas sino aportando una madurez interpretativa que parece imposible al observar quién está tocando. Para continuar esta barbaridad de repertorio, otros cuatro autores a cual más exigente, desde el danés Nielsen y el francés Debussy sin olvidarnos de los auténticos virtuosos románticos Liszt y Chopin. En castellano bagatela es una cosa de poca importancia y valor, por lo que la forma musical pueda parecer nimia, sinónimo de ágil y corta en duración con estructura ABA más coda final, pero las de Nielsen condensan mucho conocimiento técnico y cercanía con sus "compañeros de programa", el recorrido interior tras el físico, virtuosismo para un peregrinaje tan duro como el de Liszt, esos Juegos de agua del tercer año o el viaje secreto de Debussy a La isla feliz impresionista e impresionante en la interpretación de Laura Mota antes del adiós definitivo a la Varsovia querida por parte de Chopin. Este viaje desde la etapa adolescente de la propia intérprete desde la aún cercana infancia hasta la plena madurez que parece todavía lejana, donde Nielsen resultó, pese a los aplausos interrumpiendo, pequeñas páginas sonoras distintas y unitarias, coloridas y sentidas, breves frescos sonoros antes del increíble Liszt que, como el título, resultó nuevamente cristalino, acuoso y se me permite, femenino por belleza, delicadeza e inteligencia, nada al azar, ambiente etéreo que salpica la inocencia del momento. Y el francés Debussy como perfecto complemento histórico, parisino adelantado a su época y conocedor de las anteriores, igualmente viajero como todos los grandes artistas que en su escritura trasciende la descripción para plasmar instantes breves. Laura Mota se mueve con seguridad y aplomo en un discurrir por el teclado casi mágico, indescriptible, brillante, concentrado a la par que bello. Pero el remate por excelencia es Chopin, el virtuoso y tortuoso cuya Polonia le acompañaría incluso hasta el más allá, haciendo de sus polonesas la quintaesencia de todos los pianistas. El Andante spianato seguido de la Gran Polonesa op. 22 no es fuego de artificio sino poso vital de largas trayectorias, y Laura Mota con 14 años parece haber estado siempre en el piano, profundidad y emoción, sonido potente sin aparente esfuerzo, dinámicas recogidas plenamente románticas, otro acento para el idioma de los viajeros sin más descripciones, el Andante casi como un nocturno y la polonesa llena de vigor. Asombro del que nunca salgo ante cada concierto de esta joven ovetense que está excepcionalmente dotada para comunicar desde el piano en todos los repertorios. El público tendrá sus preferencias, ella supongo que también, pero afronta épocas y autores con desparpajo y aplomo desde una apertura de miras que le permite empaparse de todo, asistir a los conciertos de pianistas como Sokolov con devoción y hacer suyas las sabias enseñanzas de quienes tienen el privilegio de contar con ella como una alumna única e irrepetible. Y si todo lo anterior parecía poco, la propina de Granados y su Allegro de Concierto, op. 46 que me recuerda siempre a la añorada Alicia de Larrocha en estas mismas edades, virtuosismo de aire francés como el Chopin anterior en un nuevo fogonazo de talento, frescura y música a raudales con poso adulto. Para quien no la haya escuchado en vivo busquen su agenda para no perderse el próximo concierto.

Franz Liszt
(1811 – 1886)

Franz Liszt ( 22 de octubre de 1811 - 31 de julio de 1886) fue un compositor húngaro romántico, un virtuoso pianista y profesor. Liszt se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y quizás el pianista más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno de la técnica y un benefactor de otros compositores y artistas intérpretes o ejecutantes, en particular Richard Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg y Aleksandr Borodín. Como compositor, fue uno de los más destacados representantes de la «Nueva Escuela Alemana» («Neudeutsche Schule»). Compuso una extensa y variada cantidad de obras para piano (rapsodias, estudios, transcripciones, etc.), en estilo concertante para piano y orquesta y también de una extensa producción orquestal. Sus obras de piano están consideradas entre las obras cumbre de este instrumento. Influyó a sus contemporáneos y sucesores y anticipó algunas ideas y tendencias del siglo XX. Algunas de sus contribuciones más notables fueron la invención del poema sinfónico, desarrollando el concepto de transformación temática como parte de sus experimentos en la forma musical, y hacer desviaciones radicales en la armonía.



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